La globalización marcó un antes y un después en el arte contemporáneo… ¿De qué otras realidades se alimenta la creación artística en nuestros días?
La creación artística responde y participa precisamente de nuestros días, así que digamos que el presente es uno de los elementos clave para el arte, aunque no lo único. La referencia al pasado (así como la asimilación de las posibles historias) o los deseos disparados hacia al futuro también están en las preguntas y construcciones del arte y otras esferas culturales. Pensamiento, política, deseo, subjetividad, lenguaje, performatividad… existen una gran serie de variables que interaccionan con el arte, algo a tener en cuenta también en su recepción.
En diversas ocasiones ha manifestado su desacuerdo con que el arte gravite cada vez más en torno al mercado ¿Cómo ha de ser la relación entre estos dos mundos (arte y mercado) para que ambos salgan beneficiados?
Arte y mercado. El arte es mucho más que lo que tiene visibilidad como arte. Buena parte de la creación artística que está en los márgenes difícilmente saldrá de ellos, pero no por este motivo es algo a despreciar. El mercado define un sistema de relación y de evaluación, es uno de ellos y es importante tenerlo en cuenta. Un sistema que deja fuera algunas opciones por, precisamente, su inviabilidad económica. Así que buscar el arte únicamente en el mercado significa perderse una buena parte de lo que está pasando. Del mismo modo que ningunear el mercado es también lo mismo. En galerías puedes encontrar muy buenas exposiciones, en ferias puedes ver grandes obras. Simplemente es asumir las posiciones y no perderse en tonterías que están muy lejos tanto de los intereses del mercado como del arte.
¿Nos puede descubrir algún nuevo nombre de la escena artística mundial que haya captado su atención recientemente?
Voy a esquivar la pregunta, ya aviso, y no por pertinente. En este contexto de velocidad parece que hacer listas sea una solución para hacernos un mapa de lo que hay y lo que viene. Mejor que cada cual se haga el suyo, que será igual de válido. Estamos en un momento de posible cambio, vemos como están apareciendo algunos modos de actuación que aún no se comprenden y que se están observando con muchísima atención. Todo el fenómeno de la academización de lo llamado post-internet terminará en el arte y terminará dentro de la institución, que está necesitada de novedad para ser otra vez un elemento líder.
¿Y alguna exposición que lo haya cautivado en el último tiempo?
Una exposición muy pequeña en una galería de dos metros cuadrados en Estocolmo y, también en la misma ciudad, el montaje de la exposición de Louise Bourgeois en Moderna Museet: Un montaje espectacular que aún estoy pensando si es bueno o no, pero que tiene algo de distinto respecto al uso habitual de los white cube.
Su propuesta al frente del comisariado del pabellón español de la Bienal de Venecia es colectiva. ¿Cómo se articula un discurso homogéneo con artistas tan personales como Dalí, Cabello/Carceller, Francesc Ruiz, Pepo Salazar…? ¿Cómo ha sido el proceso de trabajo del equipo implicado?
El proceso de trabajo no es en pasado, sino que ahora mismo estamos en ello. No hay una voluntad de un discurso homogéneo. Hay un tono inicial y un sistema basado en el deseo, pero no un discurso homogéneo. Sería ir contra los artistas, sería forzarlos. Y un tono no es un discurso. De entrada Dalí y a partir de Dalí una serie de líneas de trabajo o de posibilidades que están allí. Un Dalí performativo, complejo, un Dalí que se lee desde la teoría queer y desde el feminismo, un Dalí avanzado en su relación con los media. Un Dalí que se presenta sin obra, un Dalí que se presenta como sujeto que tiene una enorme cantidad de capas que interesan hoy y que a lo mejor antes no se podían comprender del mismo modo. Es actualidad y es presente, pero hay un salto histórico y cierta asincronía. Y después de esta entrada, tres proyectos artísticos independientes. Con conexiones realizadas desde un punto de vista curatorial con ese punto de partida. Hemos estado hablando mucho con los artistas, ya desde el momento de escritura del proyecto, o sea antes de que se decidiera que este era el proyecto para Venecia. La verdad es que era muy cómodo hablar sobre Dalí y proponer el proyecto pensando que lo más seguro era que no saliera, puedes trabajar con complejidad y llevar las cosas un paso más allá. Y cuando nos dijeron que sí ya habíamos todos dialogado mucho y asimilado el proyecto y su complejidad, así que simplemente fue saltar a la acción.
La tecnología ha promovido en la sociedad nuevas dinámicas de acceso y transmisión del conocimiento ¿Cómo evolucionan los espacios tradicionales de difusión del arte (galerías, ferias, bienales..) para adaptarse a esta nueva realidad?
Bien, cada uno como puede. Hay distintas velocidades y distintas relaciones. Algunos son muy rápidos y otros más reacios. Pero creo que aún hay muchísimas posibilidades a explotar. En el módulo hemos estado hablando con Rosa Ferré y la posición del CCCB en este tema, en cómo no se trata simplemente de modificar algo la web sino permitir que afecte en la programación y, también, en la definición estructural. Y aquí hay algo clave: no es tanto pensar en hacer apps como en redefinir el sistema de trabajo y qué se quiere con ello.
En este contexto ¿Cuáles son las nuevas oportunidades curatoriales que se abren para los profesionales del sector?
Pues supongo que varias. De entrada tenemos la obligación y necesidad de seguir replanteándonos el formato de presentación y los ritmos de trabajo, con lo que todo es posible. Es no tener miedo a equivocarse y, por lo tanto, equivocarse bastante. Tenemos esta suerte, podemos testear ya que no hay criterios fijos.
¿Qué países son actualmente un buen modelo a seguir en relación al impulso de la creación artística contemporánea? ¿Que los caracteriza? ¿Qué elementos de éxito tienen sus modelos?
No sé si es pertinente hablar de países. Creo que podemos hablar de algunas situaciones, de algunas ciudades, de algunos gestos y algunos contextos, pero un país es una entidad demasiado compleja para que resulte en un modelo. Hay utopías y las necesitamos permanentemente como espejo en el que definirnos, hay elementos buenísimos en lugares que no tienen nada que ver políticamente entre sí. Creo que es más picotear aquí y allá que quedarse con un modelo entero. También la aplicación de modelos pide de una adaptación contextual, con lo que no podrás importar un modo de hacer así por las buenas y pensar que ya está, que todo funciona.
Y finalmente, desde el punto de vista de docente en el Máster en Arte Actual, nos podrías resumir cuál es la principal aportación del Máster para el desarrollo profesional de los alumnos?
Creación de redes, tener el tiempo para pensar y repensar, tener los canales para acercarse a la información y aprovechar la situación que te permite el rol de participante en un máster para desarrollar proyectos interesantes en contextos profesionales. Como estudiante se te presupone un deseo y un riesgo, así que es importante no tener miedo y saltar a la práctica, hacer cosas dentro del máster que puedan ser reales. Bueno, que lo sean.
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Mi compañera en el proyecto artístico que venimos desarrollando, está realizando el Máster. Nos interesa lo que sucede en el panorama de arte actual.
Una entrevista constructiva, sugerente y llena de matices. Mojarse un poco más... también es no tener miedo a equivocarse...
Enhorabuena Martí Manen por ese comisariado, te deseo todo lo mejor en la Biennale de Venezia.
Un saludo, Augusto Moreno